ABD-2022-2023

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    A Anunciação
    (Galleria degli Uffizi, Florença, 1472) Leonardo Da Vinci
    Representação do momento bíblico em que o anjo visita a Virgem para lhe dizer que ela irá dar à luz o messias, filho de Deus. O trabalho ficou oculto até 1867 quando foi transferido de um convento próximo a Florença para a Galeria degli Uffizi, também em Florença.
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    Retrato de Ginevra de’ Benci
    (National Gallery of Art, Washington, EUA, 1474) Leonardo Da Vinci
    O Retrato de Ginevra de' Benci foi pintado por Leonardo entre os anos 1474 e 1476. É um óleo sobre madeira e a figura retratada é Ginevra de' Benci uma jovem aristocrática de Florença, famosa e admirada pela sua inteligência. A cabeça da jovem encontra-se emoldurada pelas folhas de um arbusto de zimbro, e ao fundo pode contemplar-se uma cuidada paisagem natural. A expressão da jovem é severa e altiva, e como a maioria das mulheres dessa época, também Ginevra raspou as sobrancelhas. O tamanho da obra foi encurtado, pois originalmente chegaria até depois da cintura da jovem e incluiria a representação de suas mãos descansando sobre seu regaço.
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    A Virgem das Rochas
    (Louvre, Paris, 1485) Leonardo Da Vinci
    A Virgem das Rochas é um óleo sobre madeira e foi executado cerca de 1485. Aqui, as figuras encontram-se à frente de uma gruta e as suas formas estão envoltas em uma bruma (sfumato) que confere à pintura uma característica quase surreal. Esta composição é um perfeito exemplo do domínio do claro-escuro na pintura de Leonardo, assim como do sfumato. O tema tratado nesta pintura é único e enigmático, pois temos representados São João em menino a adorar Jesus na presença da Virgem e de um anjo. O significado desta composição não é de fácil definição, mas talvez o segredo esteja na utilização do gesto (detalhe caraterístico e de grande importância para o artista). Cada figura está reproduzindo um gesto diferente, e aqui como outras figuras em outras pinturas, o anjo aponta com seu dedo indicador, neste caso não para cima, mas na direção de São João. Enquanto isso, a Virgem protege, São João está em posição de adoração e o Menino Jesus está benzendo.
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    Homem Vitruviano
    (Gallerie dell'Accademia, Veneza, 1487) Leonardo Da Vinci
    Por volta do ano de 1487, Leonardo criou o Homem Vitruviano, um desenho de tinta em papel, de duas figuras masculinas sobrepostas com braços e pernas separadas dentro de um círculo e um quadrado. O desenho está acompanhado de notas baseadas na obra do famoso arquiteto Vitruvius Pollio. É considerado um estudo das proporções e uma perfeita justaposição entre ciência e arte, assim como é um dos trabalhos mais identificativos do artista, cientista e inventor que foi Leonardo da Vinci.
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    Dama com Arminho
    (Museu Czartoryski, Cracóvia, Polónia, 1489) Leonardo Da Vinci
    A Dama com Arminho é um óleo sobre madeira pintado por volta dos anos 1489-1490 por Leonardo. A figura representada é Cecilia Gallerani, alegadamente uma amante do Duque de Milão, Lodovico Sforza, para quem Leonardo trabalhou. Devido a diversas intervenções ao longo dos séculos o fundo original da pintura desapareceu e foi totalmente escurecido, parte do vestido foi acrescentado assim como o cabelo ao redor do queixo. Análises à pintura revelaram uma porta no fundo original. Além disso descobriu-se também que Leonardo terá mudado de ideias ao pintar a figura e que originalmente a posição dos braços da dama seria diferente e que arminho foi acrescentado posteriormente. A sobrevivência desta pintura até aos dias de hoje é quase um milagre, pois desde 1800 quando foi comprada por um príncipe polonês, sofreu diversas repinturas, exílio e esteve em esconderijos devido a invasões e guerras. Em 1939, depois da invasão nazista, a pintura foi encontrada com uma pegada de um soldado das SS.
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    Salvator Mundi
    (Comprador anónimo, 1490) Leonardo Da Vinci
    Salvator Mundi é um óleo sobre tela, possivelmente pintado entre os anos 1490 e 1500, alegadamente para o rei Luís XII de França e sua consorte, Ana, Duquesa da Bretanha. Durante os anos 1763 até 1900 a pintura esteve desaparecida e acreditou-se ter sido destruída. Depois foi descoberta, restaurada e atribuída a Leonardo, porém, existem muitos estudiosos que consideram essa atribuição como errada. Mas em novembro de 2017 a obra foi a leilão como sendo de Leonardo e foi vendida, para um anônimo comprador, estabelecendo um novo preço recorde para uma obra de arte vendida (450.312.500 de dólares). A composição apresenta um Cristo salvador do mundo, segurando um globo de cristal com sua mão esquerda e benzendo com a direita. Ele está vestido com trajos tradicionais da Renascença.
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    La Belle Ferronière
    (Louvre, Paris, 1490) Leonardo Da Vinci
    Pintada entre os anos 1490 e 1495, La Belle Ferronière é um óleo sobre madeira. A figura representada será de uma mulher desconhecida, uma filha ou esposa de um ferreiro. Esta pintura é uma dos únicos quatro retratos do pintor, sendo que as outras três são a Mona Lisa, A Dama com Arminho e o Retrato de Ginevra de’ Benci.
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    A Última Ceia
    (Convento de Santa Maria Delle Grazie, Milão, 1493) Leonardo Da Vinci
    A Última Ceia é uma pintura mural executada por Leonardo entre os anos 1493-1498 na parede do refeitório do Convento de Santa Maria Delle Grazie em Milão. Esta é a obra que vai dar notoriedade ao artista. Mas infelizmente, e devido ao fato de Leonardo ter pintado a composição com uma técnica de têmpera de óleo em vez da habitual têmpera de ovo, a obra começou a deteriorar-se pouco depois da sua finalização. Hoje temos que fazer um esforço para imaginar todo o esplendor da pintura original, sendo que é quase um milagre ainda podermos contemplar a obra. Tal como indica o título, a pintura representa a última ceia entre Cristo e os seus discípulos. O messias encontra-se bem no centro da composição e atrás da sua cabeça situa-se o ponto central de fuga em termos de perspetiva. Por cima da cabeça de Cristo um frontão exerce a função de uma espécie de auréola, dando mais uma indicação de como a arquitetura nesta pintura serve de apoio às figuras que representam o foco fundamental. O momento captado será o após Cristo anunciar que um dos seus discípulos o irá trair, algo que se fundamenta na gesticulação agitada das figuras à volta de Cristo em oposição à sua calma e passividade.
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    Mona Lisa
    (Louvre, Paris, 1503) Leonardo Da Vinci
    A Mona Lisa (também conhecida como A Gioconda) é um óleo sobre madeira pintado por Leonardo entre 1503-1506. Esta pintura retrata Mona Lisa, a jovem esposa de Francesco de Giocondo, segundo Giorgio Vasari (1511-1574, pintor, arquiteto e biógrafo de vários artistas da renascença italiana). Esta obra foi adquirida por Francisco I, rei de França desde 1515 até 1547. Em 1911 a pintura foi roubada e recuperada em 1913. Sobre esta obra há incontáveis teorias e especulações, mas a verdadeira maravilha da mesma não está apenas no sorriso enigmático, mas na técnica utilizada. Aqui temos uma introdução à perspetiva atmosférica que tanto vai influenciar o Barroco e Velázquez mais tarde. Neste retrato Leonardo colocou a figura em primeiro plano pintando-a com nitidez enquanto a paisagem é representada de forma suave e progressivamente esbatida. Assim temos a ilusão de afastamento, e olhando a pintura sentimos que a figura feminina está próxima de nós, enquanto a paisagem se afasta, e onde o olhar se perde no horizonte quase não se distinguem mais as formas. Esta é uma perfeita utilização do sfumato e da perspetiva atmosférica (aérea). Em relação à figura em si, e ao seu famoso sorriso, uma expressão semelhante encontra-se em outras figuras da obra do artista (Santa Ana e São João Evangelista na Última Ceia, por exemplo). Porém, o sorriso pode ter sido apenas a representação fidedigna da disposição da modelo, ou até influência do sorriso arcaico da arte grega (ver imagem Koré) da época clássica que tanto influenciou a arte da renascença.
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    A Virgem e o Menino com Santa Ana
    (Louvre, Paris, 1510) Leonardo Da Vinci
    Esta pintura, óleo sobre madeira, foi executada em 1510 por Leonardo. Nela estão representadas três figuras bíblicas: Santa Ana, sua filha a Virgem Maria e o menino Jesus. Sendo que o menino segura em suas mãos um cordeiro. As figuras estão representadas em forma piramidal em frente a um fundo rochoso e pouco definido e onde parte dos contornos de Santa Ana se diluem no sfumato da paisagem. Apesar da composição iconográfica ser de comum representação, o estranho nesta pintura é a posição de Maria, sentada no regaço de sua mãe, Santa Ana.
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    A cadeira de Van Gogh com cachimbo
    (National Gallery, 1888) Vincent Van Gogh
    A cadeira de Van Gogh com cachimbo foi pintada na residência artística onde Van Gogh vivia em Arles e apresenta uma cadeira bastante simples, de madeira, sem braços e revestida a palha pousada sobre um chão também singelo. A tela é um contraponto a outro quadro que o pintor fez chamado A cadeira de Gauguin, que está no Museu Van Gogh. Nesse segundo quadro há uma cadeira mais imponente, visto que Gauguin era considerado um importante pintor da época. O quadro da cadeira de Van Gogh fazia par com o quadro A cadeira de Gauguin, um deveria estar ao lado do outro (uma cadeira estava virada para a direita e outra para a esquerda, inclusive). A tela onde Van Gogh pintou a sua própria cadeira é toda em tons amarelados e representa a sua personalidade simples, enquanto a de Gauguin possui uma atmosfera mais elegante. A sua assinatura (Vincent) se encontra num espaço nada usual a meio do quadro (na parte do fundo).
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    Terraço do café à noite
    (Coleção privada, Lisboa, 1888) Vincent Van Gogh
    O terraço a que a tela se refere encontrava-se na Place du Fórum, em Arles, cidade para onde Van Gogh se mudou a fim de se dedicar à pintura. Segundo registros, o pintor resolveu recriar a paisagem do café após acabar de ler um romance de Guy Maupassant. Uma das características mais impressionantes da obra é que, apesar de retratar uma paisagem noturna, Van Gogh não usou nenhuma tinta preta, tendo recorrido apenas a tons mais escuros. Na tela vemos a primeira vez que Van Gogh experimentou pintar o céu com estrelas pós-impressionistas. A pintura é das poucas não assinadas pelo pintor, no entanto, não há qualquer dúvida da sua autoria graças ao estilo apresentado e as cartas de Van Gogh, onde ele se referia à pintura.
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    O quarto
    (Museu de Orsay, Paris, França, 1888) Vincent Van Gogh
    A pintura acima faz um registro do quarto que Van Gogh alugou em Arles. Na imagem vemos detalhes da vida do pintor como os móveis de madeira e as telas penduradas nas paredes. Van Gogh faz uso de cores fortes e contrastantes na obra e, através dela, percebemos um pouco de seu cotidiano. É curioso o fato de haverem duas cadeiras e dois travesseiros quando se sabe que Vincent vivia sozinho. Há suspeitas de que o quadro teria sido feito para o irmão, Theo, de modo a confortá-lo para que soubesse que Van Gogh estava bem.
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    Autorretrato com a orelha cortada
    (Courtauld Gallery, 1889) Vincent Van Gogh
    A amputação da orelha direita foi um episódio nebuloso na vida do pintor que ainda hoje permanece misterioso. Sabemos apenas que a perda da orelha foi resultado direto de uma violenta discussão que teve com o amigo também pintor Paul Gauguin em 1888. Gauguin havia se mudado para a residência artística de Van Gogh no mesmo ano, a convite do amigo. Não sabemos se Van Gogh teria cortado parte da orelha direita num episódio de automultilação após ter se descontrolado com o amigo ou se havia sido atingido com a navalha por Paul durante a discussão calorosa que teve. A informação que se conhece efetivamente é que o pintor teria guardado a orelha decepada, mostrando para uma prostituta chamada Rachel num bordel da região. Depois desse encontro, Vincent teria caminhado até o seu quarto onde dormiu na cama ensanguentada.
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    Os girassóis
    (Neue Pinakothek, ‎Munique, 1889) Vincent Van Gogh
    Uma das obras-primas do pintor holandês, a tela que tem como protagonista um vaso de girassóis tem dez versões. Na imagem vemos a preponderância do amarelo e uma organização das flores nada convencional. A pintura do holandês apresenta confusão, caos e uma beleza perturbadora obtida com os girassóis retorcidos. A tela foi uma saudação feita ao amigo Paul Gauguin (1848-1903), que o visitou em Arles, onde Vincent estava vivendo. Ao ver as imagens, Gauguin elogiou o colega holandês ao afirmar que os seus girassóis eram mais bonitos do que as vitórias-régias de Monet. No quadro, a assinatura não está como habitualmente costumamos encontrar, posicionada no canto da tela. Em Os girassóis o primeiro nome do pintor está inserido dentro do vaso, no meio do quadro (na parte inferior). Em carta para o irmão Theo ficamos sabendo que ele optou por assinar Vincent porque as pessoas tinham dificuldade de pronunciar Van Gogh.
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    A noite estrelada
    (Museu de Arte Moderna de Nova York, 1889) Vincent Van Gogh
    O quadro mais famoso do pintor holandês foi criado enquanto Van Gogh estava internado no hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence durante o ano de 1889. Vincent havia pedido para o irmão mais novo, Theo, interná-lo após uma série de surtos psicóticos. Não é confirmado propriamente qual o problema de saúde que acometia o artista, mas suspeita-se de bipolaridade e depressão profunda. A tela acima ilustra o nascer do sol visto da janela do quarto onde Van Gogh dormia. O trabalho apresenta alguns elementos peculiares como as espirais do céu que imprimem uma noção de profundidade e movimento. Apesar do céu caótico, o vilarejo que aparece na pintura tem ar pacato e alheio ao turbilhão exterior.
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    Maternidade
    (Comprador anónimo, 1901) Pablo Picasso
    “Maternidade” é descrita como a obra mais importante do “período azul” de Picasso. Representando uma mãe amamentando um bebê, especialistas a definem como símbolo da “força emocional da maternidade, apesar da frieza dos tons azulados empregados pelo autor”.
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    A Vida
    (Cleveland Museum of Art, Estados Unidos, 1903) Pablo Picasso
    Acredita-se que a obra retrata o amigo de Picasso, Carlos Casagemas (à esquerda), que morreu em 1901. O homem está entre três mulheres, duas delas nuas, o que empresta certo ar de sensualidade à cena. A tonalidade azul, presente também em outras pinturas do artista, representa o período de dificuldades financeiras que Picasso viveu, assim que chegou a Paris — além do sofrimento pela morte do amigo.
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    Les Demoiselles d’Avignon
    (Museu de Arte Moderna, Nova York, 1907) Pablo Picasso
    “Les Demoiselles d’Avignon” é uma das obras que revolucionou a história da arte, dando base para o cubismo e a pintura abstrata. Inspirada no bordel da rua Avignon, em Barcelona, a pintura representa cinco mulheres nuas, que se transformam em figuras geométricas, com contornos de linhas irregulares e quebradas — um grande marco da estética cubista.
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    Autorretrato
    (Galeria Nacional de Praga, República Tcheca, 1907) Pablo Picasso
    O autorretrato de Picasso é apontado como a obra que anteviu o movimento cubista. Os traços são de espessura grossa e rápida, e o contraste com o plano de fundo dá uma noção tridimensional à figura, o que não existia até então. As cores vivas e alegres estão de acordo com o olhar jovial e expressivo que estampa o retrato de Picasso.