ABD-2022-2023

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Projects with DSpace in "Digital Archives and Libraries", 2022/2023

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    A Anunciação
    (Galleria degli Uffizi, Florença, 1472) Leonardo Da Vinci
    Representação do momento bíblico em que o anjo visita a Virgem para lhe dizer que ela irá dar à luz o messias, filho de Deus. O trabalho ficou oculto até 1867 quando foi transferido de um convento próximo a Florença para a Galeria degli Uffizi, também em Florença.
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    A cadeira de Van Gogh com cachimbo
    (National Gallery, 1888) Vincent Van Gogh
    A cadeira de Van Gogh com cachimbo foi pintada na residência artística onde Van Gogh vivia em Arles e apresenta uma cadeira bastante simples, de madeira, sem braços e revestida a palha pousada sobre um chão também singelo. A tela é um contraponto a outro quadro que o pintor fez chamado A cadeira de Gauguin, que está no Museu Van Gogh. Nesse segundo quadro há uma cadeira mais imponente, visto que Gauguin era considerado um importante pintor da época. O quadro da cadeira de Van Gogh fazia par com o quadro A cadeira de Gauguin, um deveria estar ao lado do outro (uma cadeira estava virada para a direita e outra para a esquerda, inclusive). A tela onde Van Gogh pintou a sua própria cadeira é toda em tons amarelados e representa a sua personalidade simples, enquanto a de Gauguin possui uma atmosfera mais elegante. A sua assinatura (Vincent) se encontra num espaço nada usual a meio do quadro (na parte do fundo).
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    A Calúnia de Apeles
    ( 2023-05-16) Sandro Botticelli
    É uma pintura que retrata Apeles ser injustamente difamado pelo seu rival na pintura Antiphilos.
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    A Coluna Partida
    (Museo Dolores Olmedo Patiño, 1944) Frida Kahlo
    Pintada em 1944, esta obra de arte é profundamente ligada à vida da pintora e ilustra o seu sofrimento após uma cirurgia que se submeteu na coluna vertebral. Na imagem vemos Frida sustentada por uma coluna grega que parece partida, fraturada, e a cabeça está apoiada no topo da coluna. Na pintura Frida apresenta um espartilho que de fato teria usado no período de recuperação da cirurgia. No rosto da artista lemos a expressão de dor e sofrimento, embora contido, reconhecido apenas pela presença das lágrimas. Frida mantém um olhar austero e de perseverança. Ao fundo, na paisagem natural, vemos um campo seco, sem vida, assim como provavelmente se sentia a pintora. Todo o corpo de Frida está perfurado por pregos, uma representação do sofrimento permanente que ela sentia. Apesar de estarem espalhados pelo corpo, alguns pregos são maiores e aludem aos pontos onde Frida mais sentia dor. Vale frisar, por exemplo, a presença de um prego enorme - o maior de todos - posicionado bem perto do coração.
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    A Divina Comédia
    (eBooksBrasil, 2023-05-21) Dante Alighieri
    Longo poema épico e teológico, A Divina Comédia divide-se em três partes: o Inferno, o Purgatório e o Paraíso. Não há uma datação exacta da obra, mas presume-se que tenha sido escrita entre 1304 e 1321, ano da morte de Dante.
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    A formação da rede paroquial no Portugal medievo
    (Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa, 2023-05-23) RODRIGUES, Ana Maria S. A.
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    A formação de Portugal
    (Instituto de Cultura e Língua Portuguesa, 2023-05-23) RIBEIRO, Orlando
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    A fronteira luso-castelhana na Idade Média
    (Revista da Faculdade de Letras da Universidade de Porto, 2023-05-23) VENTURA, Leontina
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    A noite estrelada
    (Museu de Arte Moderna de Nova York, 1889) Vincent Van Gogh
    O quadro mais famoso do pintor holandês foi criado enquanto Van Gogh estava internado no hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence durante o ano de 1889. Vincent havia pedido para o irmão mais novo, Theo, interná-lo após uma série de surtos psicóticos. Não é confirmado propriamente qual o problema de saúde que acometia o artista, mas suspeita-se de bipolaridade e depressão profunda. A tela acima ilustra o nascer do sol visto da janela do quarto onde Van Gogh dormia. O trabalho apresenta alguns elementos peculiares como as espirais do céu que imprimem uma noção de profundidade e movimento. Apesar do céu caótico, o vilarejo que aparece na pintura tem ar pacato e alheio ao turbilhão exterior.
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    A paróquia na história: elementos para uma visão de conjunto
    (Instituto de Estudos Históricos Dr António de Vasconcelos (Faculdade de Letras da Universidade de Coimbra), 2023-05-20) RODRIGUES, Ana Maria S. A
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    A Persistência da Memória
    (MoMA, Nova Iorque, 1931) Salvador Dalí
    Um dos dados que mais espanta no famoso quadro de Salvador Dalí é o tempo de produção: conta-se que A persistência da memória foi pintado em apenas cinco horas. Na tela encontramos os famosos símbolos do pintor: o relógio derretido, as formigas, as pinceladas oníricas.
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    A Primavera
    ( 2023-05-14) Sandro Botticelli
    A pintura divide as opiniões dos estudiosos, uns acham que a pintura retrata um grupo de figuras mitológicas num jardim, enquanto que outros dizerm ser a representação do amor neoplatónico.
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    A tentação de Santo Antônio
    (Musée Royaux des Beaux-Arts, Bélgica, 1947) Salvador Dalí
    A pintura acima foi elaborada para que o pintor pudesse participar de um concurso temático que tinha como mote a tentação de Santo Antônio. O trabalho foi realizado em Nova Iorque e, para vencer os concorrentes, Dalí investiu em uma pintura que retratasse Santo Antônio completamente nu diante de elementos desproporcionais.
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    A Última Ceia
    (Convento de Santa Maria Delle Grazie, Milão, 1493) Leonardo Da Vinci
    A Última Ceia é uma pintura mural executada por Leonardo entre os anos 1493-1498 na parede do refeitório do Convento de Santa Maria Delle Grazie em Milão. Esta é a obra que vai dar notoriedade ao artista. Mas infelizmente, e devido ao fato de Leonardo ter pintado a composição com uma técnica de têmpera de óleo em vez da habitual têmpera de ovo, a obra começou a deteriorar-se pouco depois da sua finalização. Hoje temos que fazer um esforço para imaginar todo o esplendor da pintura original, sendo que é quase um milagre ainda podermos contemplar a obra. Tal como indica o título, a pintura representa a última ceia entre Cristo e os seus discípulos. O messias encontra-se bem no centro da composição e atrás da sua cabeça situa-se o ponto central de fuga em termos de perspetiva. Por cima da cabeça de Cristo um frontão exerce a função de uma espécie de auréola, dando mais uma indicação de como a arquitetura nesta pintura serve de apoio às figuras que representam o foco fundamental. O momento captado será o após Cristo anunciar que um dos seus discípulos o irá trair, algo que se fundamenta na gesticulação agitada das figuras à volta de Cristo em oposição à sua calma e passividade.
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    A Vida
    (Cleveland Museum of Art, Estados Unidos, 1903) Pablo Picasso
    Acredita-se que a obra retrata o amigo de Picasso, Carlos Casagemas (à esquerda), que morreu em 1901. O homem está entre três mulheres, duas delas nuas, o que empresta certo ar de sensualidade à cena. A tonalidade azul, presente também em outras pinturas do artista, representa o período de dificuldades financeiras que Picasso viveu, assim que chegou a Paris — além do sofrimento pela morte do amigo.
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    A Virgem das Rochas
    (Louvre, Paris, 1485) Leonardo Da Vinci
    A Virgem das Rochas é um óleo sobre madeira e foi executado cerca de 1485. Aqui, as figuras encontram-se à frente de uma gruta e as suas formas estão envoltas em uma bruma (sfumato) que confere à pintura uma característica quase surreal. Esta composição é um perfeito exemplo do domínio do claro-escuro na pintura de Leonardo, assim como do sfumato. O tema tratado nesta pintura é único e enigmático, pois temos representados São João em menino a adorar Jesus na presença da Virgem e de um anjo. O significado desta composição não é de fácil definição, mas talvez o segredo esteja na utilização do gesto (detalhe caraterístico e de grande importância para o artista). Cada figura está reproduzindo um gesto diferente, e aqui como outras figuras em outras pinturas, o anjo aponta com seu dedo indicador, neste caso não para cima, mas na direção de São João. Enquanto isso, a Virgem protege, São João está em posição de adoração e o Menino Jesus está benzendo.
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    A Virgem e o Menino com Santa Ana
    (Louvre, Paris, 1510) Leonardo Da Vinci
    Esta pintura, óleo sobre madeira, foi executada em 1510 por Leonardo. Nela estão representadas três figuras bíblicas: Santa Ana, sua filha a Virgem Maria e o menino Jesus. Sendo que o menino segura em suas mãos um cordeiro. As figuras estão representadas em forma piramidal em frente a um fundo rochoso e pouco definido e onde parte dos contornos de Santa Ana se diluem no sfumato da paisagem. Apesar da composição iconográfica ser de comum representação, o estranho nesta pintura é a posição de Maria, sentada no regaço de sua mãe, Santa Ana.
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    Arte Portuguesa Da Pré-História Ao Século XX - Expressão Artística Anteriores a Formação de Portugal
    (Jornal de Notícias, 2023-05-16) Maria da Conceição Lopes
    "Desse tão imenso tempo que se mede entre o momento a que se atribuem as primeiras manifestações conhecidas do Homem classifi - cadas como artísticas até à criação do Reino de Portugal, no ano de 1143, e do acaso muitas histórias de Arte se escreverão, e se desactu alizarão, atendendo ao modo particular e ao ritmo com que o conheci mento destas ocorre. Ainda assim, a arte como expressão da dimensão espacio-temporal da evolução das sociedades não pode excluir-se da compreensão do desenvolvimento do território actualmente português num tempo situado entre o Paleolítico e o início da Reconquista cristã."
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    As Duas Fridas
    (Museu de Arte Moderna da Cidade do México, 1939) Frida Kahlo
    As representações das duas Fridas estão dispostas em um único banco simples, verde, sem encosto. As duas personagens estão ligadas pelas mãos e carregam vestidos completamente diferentes: enquanto uma delas usa um traje tehuana, tradicional mexicano (a com a camisa azul), a outra veste um pomposo vestido branco estilo europeu com gola alta e mangas elaboradas. Ambas representam personalidades distintas experienciadas por Frida. Como se estivessem refletidas no espelho, ambas as Fridas carregam um semblante fechado, reflexivo e sombrio. Esse autorretrato duplo foi feito logo após a pintora se divorciar do amor da sua vida Diego Rivera. Plenas de sofrimento, as duas deixam a mostra o coração. A Frida vestida à europeia exibe uma tesoura cirúrgica com sangue. Uma única artéria (e o sangue) une as duas Fridas na tela pintada em 1939. A Frida da direita carrega nas mãos o que parece ser um amuleto, um retrato atribuído à Rivera quando era criança. Dele parte uma fina veia que sobe pelo braço da pintora e se interliga ao coração, demonstrando a importância vital do ex-marido na sua vida. Ao fundo da imagem vemos densas nuvens que parecem antecipar uma tempestade.
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    Autorretrato
    (Galeria Nacional de Praga, República Tcheca, 1907) Pablo Picasso
    O autorretrato de Picasso é apontado como a obra que anteviu o movimento cubista. Os traços são de espessura grossa e rápida, e o contraste com o plano de fundo dá uma noção tridimensional à figura, o que não existia até então. As cores vivas e alegres estão de acordo com o olhar jovial e expressivo que estampa o retrato de Picasso.